The Tyger, Songs of experience (1794)
Tigre! Tigre! ardendo lucente
Nella foresta della notte,
Che immortale mano o occhio
Poté forgiare la tua paurosa simmetria?
In che distanti profondità (mari) o cieli
Bruciava il fuoco dei tuoi occhi?
Su quali ali osò egli aspirare?
Che mano osò afferrare il fuoco?
E che spalle, e che artificio,
Riuscì a intrecciare le fibre del tuo cuore?
E, quando il tuo cuore incominciò a battere,
Che terribile mano? e che terribili piedi?
Che martello? che catena?
In che fornace fu il tuo cervello?
Che incudine? che terribile morsa
Osò i suoi mortali terrori afferrare?
Quando le stelle buttarono giù le loro lance,
Ed annaffiarono il cielo con le loro lacrime,
Sorrise al vedere il suo lavoro?
Colui che fece l’agnello fece te?
Tigre! Tigre! ardendo lucente
Nella foresta della notte,
Che immortale mano o occhio
Osò forgiare la tua paurosa simmetria?
Tyger! Tyger! Burning bright
In the forests of the night:
What immortal hand or eye
Could frame thy fearful symmetry?
In what distant deeps or skies
Burnt the fire of thine eyes?
On what wings dare he aspire?
What the hand dare seize the fire?
And what shoulder, and what art,
Could twist the sinews of thy heart?
And when thy heart began to beat,
What dread hand? And what dread feet?
What the hammer? What the chain?
In what furnace was thy brain?
What the anvil? What dread grasp
Dare its deadly terrors clasp?
When the stars threw down their spears,
And water’d heaven with their tears:
Did He smile His work to see?
Did He who made the Lamb make thee?
Tyger! Tyger! Burning bright
In the forests of the night:
What immortal hand or eye
Dare frame thy fearful symmetry?
Analysis
Introduction to the Author
William Blake was born in 1757 in a lower class London family. At the age of ten he was sent to a drawing school. He started his artistic arear drawing and only in his late twenties took to writing poetry, but writing and the visual arts were closely associated in his mind: in fact he was to make his living more through painting than through verse. In 1779 he enrolled at the new royal academy of arts and in 1782 set up a print-seller’s shop, were his wife, whom he had taught to read, assisted him. Many of Blake’s poems are a criticism of the suffering of the poor and the oppressed. In his last years Blake, verging on insanity, stopped writing but continued working for the illustrations for Dante Alighieri’s Divine Comedy until he died in 1827.
Translation
William Blake nacque nel 1757 in una famiglia della classe popolare di Londra. All’età di dieci anni fu mandato a una scuola di disegno. Iniziò la sua carriera artistica disegnando, e solo verso la fine dei vent’anni si dedicò alla scrittura di poesie, ma nella sua mente scrittura e arti visive erano strettamente collegate: infatti, avrebbe guadagnato da vivere più con la pittura che con la poesia. Nel 1779 si iscrisse alla nuova Royal Academy of Arts e nel 1782 aprì un negozio di stampe, dove fu assistito dalla moglie, alla quale aveva insegnato a leggere. Molte delle poesie di Blake sono una critica alla sofferenza dei poveri e degli oppressi. Negli ultimi anni della sua vita, ormai vicino alla follia, smise di scrivere ma continuò a lavorare alle illustrazioni per la Divina Commedia di Dante Alighieri fino alla sua morte nel 1827.
Analysis of the poem
William Blake’s “The Tyger” is one of his most famous poems and is part of the “songs of experience”, that opposes to the “songs of innocence”. It explores themes of creation, duality, and the nature of good and evil. The speaker marvels at the fearsome beauty of the tiger, asking what kind of divine being could create such a terrifying yet majestic creature. In this poem Blake opposes the tiger to the lamb, symbol of innocence, that is also its counterpart in the “songs of innocence”, highlighting the coexistence of violence and beauty in the world. The imagery of fire conveys both divine energy and potential destruction highlighting the beauty but at the same time the power an fearfulness of nature. Ultimately, the poem doesn’t offer clear answers but instead invites readers to contemplate the complexity of creation and the mysterious power behind nature’s fiercest aspects.
translation
“The Tyger”di William Blake è una delle sue poesie più famose ed è parte delle Songs of Experience, in contrapposizione alle Songs of Innocence. Esplora temi come la creazione, la dualità e la natura del bene e del male. Il poeta si meraviglia della bellezza terribile della tigre, chiedendosi quale tipo di essere divino possa aver creato una creatura tanto spaventosa quanto maestosa. In questa poesia, Blake contrappone la tigre all’agnello, simbolo di innocenza, che rappresenta il suo opposto nelle Songs of Innocence, mettendo in evidenza la coesistenza di violenza e bellezza nel mondo. Le immagini del fuoco evocano sia l’energia divina che il potenziale distruttivo, sottolineando la bellezza ma anche la potenza e il terrore insiti nella natura. In definitiva, la poesia non offre risposte chiare, ma invita il lettore a riflettere sulla complessità della creazione e sul misterioso potere che si cela dietro gli aspetti più feroci della natura.
The Rime of The Ancient Mariner
Perché abbiamo scelto questa poesia proprio in questo luogo ricco di bambù?
Il bambù si piega ma non si spezza, anche in presenza di venti impetuosi. Questo rispecchia la resistenza del Marinaio attraverso le prove soprannaturali, l’isolamento e il senso di colpa. Nonostante le intense sofferenze, egli sopravvive – cambiato, ma non distrutto. Il bambù cresce in ambienti diversi e si rigenera rapidamente dopo essere stato tagliato. Questo riflette la trasformazione spirituale del Marinaio: da uomo sconsiderato che uccide un uccello innocente a persona profondamente attenta alla sacralità della vita. Come il bambù, si adatta e trova un nuovo ruolo: narratore e testimone morale. Il bambù è spesso associato a terre lontane, lussureggianti e sconosciute, evocando un senso di mistero o di “altro”. Allo stesso modo, The Rime è ambientato in paesaggi vasti, estranei e spesso surreali: navi fantasma, mari ghiacciati, acque equatoriali e regni infestati dagli spiriti. Sia il bambù che la poesia trasportano l’osservatore al di là del familiare. Qui sotto non verrà riportato il poema perché è troppo lungo.
Short description of the author:
Samuel Taylor Coleridge was one of the leading English poets and literary critics of Romanticism. He was born in 1772 in Ottery St Mary, Devon. He studied at Cambridge but did not complete his studies. He was an extremely well-read man but plagued by personal problems, especially opium addiction and depression.
His friendship with William Wordsworth was crucial: together they published “Lyrical Ballads” (1798), considered the inaugural work of English Romanticism. “The Rime of the Ancient Mariner” is one of the major poems in that collection.
Coleridge also wrote philosophical and critical essays, and took a keen interest in religion and metaphysics. He died in 1834 in London.
Brief summary of the poem:
The Rime of the Ancient Mariner (1798) by Samuel Taylor Coleridge is a narrative poem in which an old sailor tells his story to a young wedding guest. On a sea voyage, the sailor kills an albatross for no reason, bringing misfortune on the crew: the ship is stranded in a windless sea, the sailors die, and he is left alone. After much suffering and a moment of repentance, the sailor learns to respect all living creatures and is eventually rescued. Since then he is forced to wander and tell his story as a warning.
Analysis:
The poem is rich in symbolism and romantic themes. The albatross represents nature and harmony with it: killing it symbolizes the breaking of this balance. Guilt, punishment and redemption are the central themes. First-person narration and the use of the supernatural (ghosts, sea spirits) create a gothic atmosphere. The poetic style with rhymes, regular rhythm and vivid imagery reflects the Romantic influence and the desire to explore the mystery and spirituality of nature.
breve descrizione
Samuel Taylor Coleridge fu uno dei maggiori poeti e critici letterari inglesi del Romanticismo. Nacque nel 1772 a Ottery St Mary, nel Devon. Studiò a Cambridge ma non concluse gli studi. Era un uomo estremamente colto, ma afflitto da problemi personali, soprattutto la dipendenza dall’oppio e la depressione.
La sua amicizia con William Wordsworth fu cruciale: insieme pubblicarono “Lyrical Ballads” (1798), considerata l’opera inaugurale del Romanticismo inglese. “The Rime of the Ancient Mariner” è uno dei poemi principali di quella raccolta.
Coleridge scrisse anche saggi filosofici e critici, e si interessò molto alla religione e alla metafisica. Morì nel 1834 a Londra.
Breve riassunto del poema:
The Rime of the Ancient Mariner (1798) di Samuel Taylor Coleridge è un poema narrativo in cui un vecchio marinaio racconta la sua storia a un giovane invitato a nozze. Durante un viaggio in mare, il marinaio uccide senza motivo un albatros, portando sfortuna sull’equipaggio: la nave è bloccata in un mare senza vento, i marinai muoiono e lui resta solo. Dopo una lunga sofferenza e un momento di pentimento, il marinaio impara a rispettare tutte le creature viventi e viene infine salvato. Da allora è costretto a vagare e raccontare la sua storia come monito.
Analisi:
Il poema è ricco di simbolismo e temi romantici. L’albatros rappresenta la natura e l’armonia con essa: ucciderlo simboleggia la rottura di questo equilibrio. La colpa, la punizione e la redenzione sono i temi centrali. La narrazione in prima persona e l’uso del soprannaturale (fantasmi, spiriti del mare) creano un’atmosfera gotica. Lo stile poetico con rime, ritmo regolare e immagini vivide riflette l’influenza romantica e il desiderio di esplorare il mistero e la spiritualità della natura.
I Wandered Lonely as a Cloud (1807)
Vagavo solo come una nuvola
che fluttua in alto sopra valli e colline,
quando all’improvviso vidi una folla,
un esercito di narcisi dorati;
accanto al lago, sotto gli alberi,
ondeggiavano e danzavano nella brezza.
Continui come le stelle che brillano
e scintillano sulla via lattea,
si stendevano in una linea senza fine
lungo il margine della baia:
diecimila ne vidi in un istante,
che scuotevano le teste in una vivace danza.
Le onde danzavano accanto a loro; ma
i fiori superavano le onde scintillanti in allegria:
un poeta non poteva che sentirsi felice
in una compagnia così gioiosa:
fissavo – e fissavo – senza rendermi conto
di quale ricchezza mi stesse donando quella visione.
Spesso, quando giaccio sul divano
in uno stato d’animo vuoto o pensieroso,
appaiono al mio occhio interiore
che è la beatitudine della solitudine;
e allora il mio cuore si riempie di gioia
e danza con i narcisi.
I wandered lonely as a cloud
That floats on high o’er vales and hills,
When all at once I saw a crowd,
A host, of golden daffodils;
Beside the lake, beneath the trees,
Fluttering and dancing in the breeze.
Continuous as the stars that shine
And twinkle on the milky way,
They stretched in never-ending line
Along the margin of a bay:
Ten thousand saw I at a glance,
Tossing their heads in sprightly dance.
The waves beside them danced; but they
Out-did the sparkling waves in glee:
A poet could not but be gay,
In such a jocund company:
I gazed – and gazed – but little thought
What wealth the show to me had brought:
For oft, when on my couch I lie
In vacant or in pensive mood,
They flash upon that inward eye
Which is the bliss of solitude;
And then my heart with pleasure fills,
And dances with the daffodils.
Introduction to the Author:
William Wordsworth (1770–1850) was one of the most important English Romantic poets.
He was deeply inspired by nature, which he believed to be a spiritual and moral force. He
aimed to make poetry more accessible by using ordinary language to express deep
emotions. His poetry focuses on memory, imagination, and the healing power of the natural
world.
Analysis of the poem:
The author begins by describing a moment of solitude, comparing himself to a cloud.
Suddenly, he comes across a large group of golden daffodils near a lake, under trees,
moving as if dancing in the wind.
they seem as endless as the stars in the sky. Wordsworth emphasizes their number and
their movement, creating a sense of infinity and harmony.
The daffodils are so joyful that even the dancing waves seem less lively. Later, in moments
of stillness or sadness, the memory of the daffodils returns to him. This mental image, or
“inward eye”, fills his heart with pleasure and makes him feel spiritually connected again.
The poet starts in solitude but is transformed through connection with the natural world,
ending in real happiness, especially when supported by memories of beauty. Wordsworth
believed that experiences in nature, even simple ones, could heal and elevate the human
spirit.
Introduzione all’autore:
William Wordsworth (1770–1850) è stato uno dei più importanti poeti romantici inglesi. Fu
profondamente ispirato dalla natura, che considerava una forza spirituale e morale. Il suo
obiettivo era rendere la poesia più accessibile, utilizzando un linguaggio semplice per
esprimere emozioni profonde. La sua poesia si concentra sulla memoria, sull’immaginazione
e sul potere curativo del mondo naturale.
Analisi del poema
L’autore inizia descrivendo un momento di solitudine, paragonandosi a una nuvola.
Improvvisamente, si imbatte in un grande gruppo di narcisi dorati vicino a un lago, sotto gli
alberi, che si muovono come se danzassero nel vento.
Sembrano infiniti come le stelle nel cielo. Wordsworth sottolinea il loro numero e il loro
movimento, creando un senso di infinito e armonia.
I narcisi sono così gioiosi che persino le onde danzanti del lago sembrano meno vivaci. Più
tardi, nei momenti di quiete o di tristezza, il ricordo dei narcisi ritorna a lui. Questa immagine
mentale, o “occhio interiore”, riempie il suo cuore di gioia e lo fa sentire di nuovo
spiritualmente connesso.
Il poeta inizia in solitudine, ma viene trasformato dal contatto con il mondo naturale,
raggiungendo una felicità autentica, soprattutto grazie ai ricordi della bellezza vissuta.
Wordsworth credeva che le esperienze nella natura, anche le più semplici, potessero
guarire ed elevare lo spirito umano.
Grecian urn
Traduzione:
Il cedro si erge alto e immobile, come un monumento naturale. La sua antica presenza evoca un senso di pace, mistero e atemporalità, proprio come l’urna greca di Keats, che cattura bellezza ed emozione in un istante eterno. Entrambe ci ricordano che natura e arte possono trascendere il tempo e parlare silenziosamente attraverso le epoche.
Tu ancora intatta sposa della quiete,
Tu figlia adottiva del silenzio e del tempo lento,
Narratrice silvestre, che puoi così esprimere
Un racconto fiorito più dolce della nostra rima:
Quale leggenda ornata di foglie sovrasta la tua forma,
Di divinità o di mortali, o di entrambi,
A Tempe o sulle vallette dell’Arcadia?
Quali uomini o dèi sono questi? Quali vergini restìe?
Quale folle inseguimento? Quale lotta per fuggire?
Quali flauti e tamburelli? Quali estasi selvagge?
Le melodie udite sono dolci, ma quelle non udite
Sono più dolci: dunque, voi, flauti lievi suonate ancora:
Non per l’orecchio sensuale, ma, più preziosi
Suonate canti senza toni allo spirito:
Bel giovane, sotto gli alberi, tu non puoi abbandonare
La tua canzone, né mai possono quegli alberi esser spogli;
Sfrontato amante, mai, mai puoi tu baciare,
Benché vincente, quasi alla mèta – ma, non affliggerti;
Lei non può svanire, pur non avendo tu la tua beatitudine,
Per sempre l’amerai e lei sarà bella!
Ah felici, felici rami! incapaci di perdere
Le vostre foglie, né mai di dire addio alla Primavera;
E, felice musico, instancabile,
Che suoni per sempre canzoni eternamente nuove;
Amore più felice! più felice, felice amore!
Per sempre ardente e ancora da godere,
Per sempre ansante e per sempre giovane;
Ad ogni passione umana che respira superiore,
Che lascia un cuore afflitto e saziato,
Una fronte in fiamme, e una lingua inaridita.
Chi sono questi che vengono al sacrificio?
A quale verde altare, o sacerdote misterioso,
Tu conduci quella giovenca mugghiante verso il cielo,
E tutti i suoi fiocchi di seta coperti di ghirlande?
Quale piccola città sul fiume o sulla spiaggia,
Quale monte eretto con serena cittadella,
È pieno di questa gente questo mattino devoto?
E, piccola città, le tue strade per sempre
Saranno silenziose; e nessun’anima a dirti
Perché tu sei deserta, può mai tornare.
O forma Attica! Bella attitudine! con fregio
Di marmo uomini e vergini adornati
Con rami di foresta e l’erba calpestata;
Tu forma silenziosa! Ci induci a pensare
Come fa l’eternità. Freddo pastorale!
Quando la vecchiaia sperpererà questa generazione,
Tu rimarrai, in mezzo ad altro dolore
Che il nostro, un amico all’uomo, al quale tu dici,
“bellezza è verità, verità bellezza”, è tutto ciò che
Tu sai, è tutto quello che ti basta sapere.
The cedar tree stands tall and still, like a natural monument. Its ancient presence evokes a sense of peace, mystery, and timelessness much like Keats’s Grecian urn, which captures beauty and emotion in an eternal moment. Both remind us that nature and art can transcend time and speak silently across the ages.
<< Thou still unravish’d bride of quietness,
Thou foster-child of silence and slow time,
Sylvan historian, who canst thus express
A flowery tale more sweetly than our rhyme:
What leaf-fring’d legend haunts about thy shape
Of deities or mortals, or of both,
In Tempe or the dales of Arcady?
What men or gods are these? What maidens loth?
What mad pursuit? What struggle to escape?
What pipes and timbrels? What wild ecstasy?
Heard melodies are sweet, but those unheard
Are sweeter; therefore, ye soft pipes, play on;
Not to the sensual ear, but, more endear’d,
Pipe to the spirit ditties of no tone:
Fair youth, beneath the trees, thou canst not leave
Thy song, nor ever can those trees be bare;
Bold Lover, never, never canst thou kiss,
Though winning near the goal yet, do not grieve;
She cannot fade, though thou hast not thy bliss,
For ever wilt thou love, and she be fair!
Ah, happy, happy boughs! that cannot shed
Your leaves, nor ever bid the Spring adieu;
And, happy melodist, unwearied,
For ever piping songs for ever new;
More happy love! more happy, happy love!
For ever warm and still to be enjoy’d,
For ever panting, and for ever young;
All breathing human passion far above,
That leaves a heart high-sorrowful and cloy’d,
A burning forehead, and a parching tongue.
Who are these coming to the sacrifice?
To what green altar, O mysterious priest,
Lead’st thou that heifer lowing at the skies,
And all her silken flanks with garlands drest?
What little town by river or sea shore,
Or mountain-built with peaceful citadel,
Is emptied of this folk, this pious morn?
And, little town, thy streets for evermore
Will silent be; and not a soul to tell
Why thou art desolate, can e’er return.
O Attic shape! Fair attitude! with brede
Of marble men and maidens overwrought,
With forest branches and the trodden weed;
Thou, silent form, dost tease us out of thought
As doth eternity: Cold Pastoral!
When old age shall this generation waste,
Thou shalt remain, in midst of other woe
Than ours, a friend to man, to whom thou say’st,
“Beauty is truth, truth beauty,—that is all
Ye know on earth, and all ye need to know.” >>
Introduction to the Author:
John Keats (born October 31, 1795, London, England—died February 23, 1821, Rome) was an English Romantic lyric poet who devoted his short life to the perfection of a poetry marked by vivid imagery, great sensuous appeal, and an attempt to express a philosophy through classical legend.
Analysis of the poem:
The poem directly addresses an ancient Grecian urn, time.This urn is adorned with scenes depicting life in ancient Greece, capturing the poet’s attention with images of lovers about to kiss, musicians playing their instruments, a religious procession unfolding, and people caught in moments of joy and ecstasy. He questions the reality of these scenes, pondering the identities and origins of the people depicted.
In the poem’s final section, Keats contemplates the nature of art and beauty. The urn, with its silent yet evocative images, offers an eternal truth that transcends the ever-changing reality of human existence.
The central theme revolves around the equation of beauty and truth, with Keats suggesting that artistic beauty unveils a more profound and lasting truth than the fleeting nature of reality.
The urn embodies the immortality of art, contrasting with human mortality. The scenes on the urn are frozen in time, eternally preserved, while human life is subject to change and decay.
The poem also explores the theme of imagination. Keats loves the fact that the urn lets our imagination play because the urn doesn’t give us answers , we have to imagine the stories behind the images.
The poem is replete with rhetorical devices such as metaphors, similes, and personifications, enhancing its complexity and depth. The tone is contemplative and melancholic.
Introduzione all’autore:
John Keats (nato il 31 ottobre 1795 a Londra , Inghilterra e morto il 23 febbraio 1821 a Roma) è stato un poeta lirico romantico inglese che ha dedicato la sua breve vita al perfezionamento di una poesia caratterizzata da immagini vivide, grande fascino sensuale e un tentativo di esprimere una filosofia attraverso la leggenda classica .
Analisi del poema
La poesia si rivolge direttamente a un’antica urna greca, il tempo. Quest’urna è adornata con scene che raffigurano la vita nell’antica Grecia, catturando l’attenzione del poeta con immagini di amanti in procinto di baciarsi, musicisti che suonano i loro strumenti, una processione religiosa che si svolge e persone colte in momenti di gioia ed estasi. Egli si interroga sulla realtà di queste scene, riflettendo sull’identità e sulle origini delle persone raffigurate.
Nella sezione finale della poesia, Keats riflette sulla natura dell’arte e della bellezza. L’urna, con le sue immagini silenziose ma evocative, offre una verità eterna che trascende la realtà in continua evoluzione dell’esistenza umana.
Il tema centrale ruota attorno all’equazione tra bellezza e verità, con Keats che suggerisce che la bellezza artistica svela una verità più profonda e duratura della natura effimera della realtà.
L’urna incarna l’immortalità dell’arte, in contrasto con la mortalità umana. Le scene sull’urna sono congelate nel tempo, eternamente preservate, mentre la vita umana è soggetta a cambiamento e decadimento.
La poesia esplora anche il tema dell’immaginazione. Keats ama il fatto che l’urna lasci spazio alla nostra immaginazione, perché non è l’urna a darci risposte, dobbiamo immaginare le storie dietro le immagini.
La poesia è ricca di espedienti retorici come metafore, similitudini e personificazioni, che ne accrescono la complessità e la profondità. Il tono è contemplativo e malinconico.
My heart leaps up when I behold (1807)
Il mio cuore salta quando vedo
Un arcobaleno nel cielo:
Così fu quando la mia vita iniziò;
Così lo è ora (che) sono un uomo;
Così sarà quando diventerò vecchio,
Oppure fammi morire!
Il Bambino è padre dell’Uomo;
Ed io potrei desiderare i miei giorni di essere
Legati l’uno all’altro da naturale pietà.
My heart leaps up when I behold
A rainbow in the sky:
So was it when my life began;
So is it now I am a man;
So be it when I shall grow old,
Or let me die!
The Child is father of the Man;
And I could wish my days to be
Bound each to each by natural piety.
Introduction to the Author:
William Wordsworth (1770–1850) was a major English Romantic poet known for his celebration of nature, emotion, and the common man’s experience. He helped launch the Romantic Age in English literature with the 1798 publication of
Lyrical Ballads
, co-written with Samuel Taylor Coleridge. Wordsworth’s poetry often explores the spiritual and moral impact of nature, with famous works like
Lines Composed a Few Miles Above Tintern Abbey
,
I Wandered Lonely as a Cloud
and
My Heart Leaps Up When I Behold.
Analysis of the poem:
This short poem combines Wordsworth’s fundamental ideas about his relationship with Nature and about childhood. The child’s ability to feel wonder and joy at the sight of natural scenery pervades the poet, whose heart still leaps when he sees a rainbow. The poem in fact emphasises his connection with Nature during childhood, adulthood and old age. This is the condition that makes life worth living, a condition in which the man does not forget the child he was. The same idea is reinforced in the last two lines where Wordsworth wishes all his days to be brought together by the same spontaneous and authentic moral principles inspired by Nature.
Introduzione all’autore:
William Wordsworth (1770–1850) è stato un importante poeta Romantico inglese, noto per la sua celebrazione della natura, delle emozioni e dell’esperienza dell’uomo comune. Contribuì all’avvio dell’età romantica nella letteratura inglese con la pubblicazione, nel 1798, di “Lyrical Ballads”, scritto in collaborazione con Samuel Taylor Coleridge. La poesia di Wordsworth esplora spesso l’impatto spirituale e morale della natura, con opere celebri come “Lines Composed a Few Miles Above Tintern Abbey”, “I Wandered Lonely as a Cloud” e “My Heart Leaps Up When I Behold”.
Analisi del poema
Questa breve poesia combina le idee fondamentali di Wordsworth sul suo rapporto con la Natura e sull’infanzia. La capacità del bambino di provare meraviglia e gioia alla vista di uno scenario naturale pervade il poeta, il cui cuore sussulta ancora alla vista di un arcobaleno. La poesia sottolinea infatti il suo legame con la Natura durante l’infanzia, l’età adulta e la vecchiaia. Questa è la condizione che rende la vita degna di essere vissuta, una condizione in cui l’uomo non dimentica il bambino che era. La stessa idea è rafforzata negli ultimi due versi, dove Wordsworth desidera che tutti i suoi giorni siano uniti dagli stessi principi morali spontanei e autentici ispirati dalla Natura.